Вишуканість ручної роботи

Слово «емаль» веде своє походження від європейських слів: французького email та німецького Schmelz, schmelzen – що у буквальному перекладі означає плавити. У російську мову воно потрапило, як запозичення у XVIII столітті, російські майстри також називали емаль «фініфть», від грецького слова, що у перекладі означає «світлий камінь». Протягом століть емаль та техніки емальєрної обробки майстри різних країн називали по-різному: проте, всі ці слова могли лише злегка передати дивовижні якості та красу емалі.
Емальєрне мистецтво пройшло довгий шлях розвитку, який розпочався ще в давніх цивілізаціях: Стародавній Єгипет, Китай, Індія та Візантія стали місцем народження цього дивовижного сплаву, який поступово дійшов до середньовічної Європи, а потім поширився і в Росії.
Сьогодні емаль з успіхом використовується в різних сферах: в архітектурі, в інтер'єрному дизайні, в ювелірній справі та годиннику. Саме у годинниковому мистецтві емаль зайняла зовсім особливе місце, а зокрема у справі створення оригінальних та унікальних циферблатів, про що ми розповімо вам у цій статті.
Емалевий циферблат - зовсім особливий напрямок в сучасній годинниковій індустрії, тому що за невеликою за розміром мініатюрою стоїть довгий шлях розвитку і накопиченого досвіду, різних технік і секретів майстерності, що суворо зберігаються. Однак, перш за все – небагато історії…

Мистецтво емалі, або як його називали по-іншому - фініфті, сягає своїм корінням в далеке минуле. Яскравість і не тьмяна насиченість фарб, свіжість квітів, блиск і розкіш, рівна своєю красою сяйві дорогоцінного каміння та багаті художні можливості – ось неповний перелік тих якостей, які протягом століть і до сьогодні залучали до емалі графіків, скульпторів, монументалістів ювелірів та годинникових майстрів.
Процес з'єднання металу та скла, інкрустування металу багатобарвними вставками – все це було відомо майстрам Стародавнього Єгипту, Китаю та Індії. Саме тому старовинний посуд та прикраси цих країн і сьогодні вражають бездоганною якістю виконання, витонченістю та тонкістю роботи.

Прикладне мистецтво стародавнього світу стало першим зразком, з якого черпають натхнення багато сучасних майстрів. Поступово мистецтво емальування поширилося в Стародавню Грецію та Рим перших століть нашої ери. Затребуваність, популярність та широке використання емалі спонукало майстрів постійно шукати нові форми її застосування. Емаль була окрасою жіночого убору - підвіски, намиста, діадеми, сережки виготовлялися із застосуванням емалі, вона використовувалася при обробці посуду та церковного начиння, різних предметів побуту. Емаль використовувалася для прикраси та чоловічих предметів побуту. Так, нею прикрашали парадну кінську збрую та зброю. Зазвичай емаль поєднували з карбуванням, дорогоцінним камінням та гравіюванням на срібній та золотій основі.

Повна картина виникнення та розвитку емалі може утворитися лише щодо походження європейського мистецтва. При його докладному розгляді можна з упевненістю сказати, що мистецтво емалювання – родом із країн Азії і особливо Сходу. Саме ці країни привнесли свій особливий стиль у мистецтво емалювання та розвиток різних технологій, які досі використовуються у районі Середземномор'я.
Однак, як класичний зразок емалі історія мистецтв розглядає візантійську емаль, її виникнення та розвиток. Саме візантійська емаль вважається класичним зразком емальєрного мистецтва, незважаючи на те, що кельтсько-римські виїмчасті емалі з'явилися на 500 років раніше, а деякі єгипетські вставки каменів з техніки перегородчастих емалей на тисячоліття старше за візантійську емалі.

Після того, як емаль поширилася з Єгипту, Китаю та Індії до Античної Греції та Риму вона стала одним із найпопулярніших матеріалів, нарівні з дорогоцінними металами. Так, у пізньоантичній Візантії особливо популярною була обробка дорогоцінних металів. Поступово разом з металами набувала популярності та обробка дорогоцінного каміння, а далі з'явилися перші передумови об'єднання металу та скла.
У Візантії у період панувала небачена розкіш. У багатьох містах, а особливо у столиці – Константинополі (нинішній Стамбул), церкви та палаци викладали золотою мозаїкою. Предмети інтер'єру, відзнаки панівних класів, священні судини – все було взірцем розкоші та вишуканої роботи. Можна припустити, що візантійська емаль в основному розвивалася як образотворче мистецтво: в оформленні урочисто суворих ікон, віддалених і відірваних від земної дійсності спостерігається поєднання перегородчастої та виїмчастої емалі. Існують свідчення, які стосуються періоду царювання Юстиніана (VI століття), якими можна будувати висновки про значної розвиненості цих технік цей період. Однак багато з цих прекрасних виробів було знищено під час «іконоборства» у період 726-843 років.
Часом емалевого розквіту Візантії вважатимуться XII століття, після якого починається різкий занепад. Однак короткостроковий досвід Візантії у справі освоєння емалевих технік виявився вирішальним у формуванні його на периферії візантійського світу: Сербії, Київської Русі, Грузії та Вірменії.
Як зразок східної техніки емальування можна окремо відзначити знамените блюдо еміра Давуда, вкрите з обох боків емаллю перегородки. Згідно з написом воно належало еміру Давуду (1119-1144 рр.), який мав резиденцію у верхів'ї Тигра. У середині страви зображено піднесення Олександра Великого. Унікальна страва збереглася лише завдяки нагоді і сьогодні залишається чудовим прикладом візантійського емальування. Як відзначають дослідники, в оформленні цієї страви змішані елементи візантійського, перського стилю та стилю трохи пізнішої античності.
Стародавнє мистецтво емалювання цінувалося дуже високо, що могло бути обумовлено трудомісткістю технічного виробництва, складністю виготовлення самої емалевої маси. Так, у Візантії мистецтво емальування було доведено до досконалості, як щодо чистоти колірної палітри та різноманітності художнього оформлення, так і незвичайного блиску, яскравості, міцності, міцності та довговічності, завдяки яким і емаль стала такою популярною та особливою. Особливістю візантійської емалі став складний склад та виняткові мистецькі достоїнства, свідчення про які до нас дійшли за допомогою візантійських літописців. Так, є свідчення про те, як у другій половині VI століття під час будівництва Софійського собору в Константинополі імператором Юстиніаном виготовлялася фініфть для його вівтарного золотого престолу.
Зразків візантійських емальєрних виробів віком до X століття збереглося дуже мало, і тому дослідникам розвитку емальєрного мистецтва досить складно сказати щось про техніку виготовлення емальєрних виробів цього періоду.
Розквіт візантійської емалі належить до періоду X-XI століть. Саме в цей час твори, виконані із застосуванням перегородчастої емалі, досягають піку своєї досконалості як за своїми художніми достоїнствами, так і за технікою виконання.
XII століття стає початком занепаду емалевої майстерності, а вироби наступного століття набувають більш грубого та ремісничого характеру. Поступово технічні якості емалей і колишня міцність матеріалу сходить нанівець, поєднання фарб стає різким, втрачаються емалі найкращих кольорів.

Перші на Русі вироби, виконані із застосуванням емалі, відносяться до III-V століття. Майстерні, що виготовляють такі вироби, зустрічаються Наддніпрянщина, в районах річок Десни та Оки: при розкопках у цих районах були виявлені різні зразки емалі виїмки по міді. Давньоруські перегородчасті емалі по сріблу та золоту зустрічаються у другій половині XI та XII століть. Емалі, які використовувалися на Київській Русі, складалися із місцевих матеріалів. Так, під час розкопок у Києві поблизу Десятинної церкви було знайдено сліди трьох ювелірних майстерень, де було виявлено не лише вироби з перегородчастою емаллю, а й шматки емалі, її залишки у горнах та тиглях, у яких робилася плавка. Термін «емаль» і саме емальування почав поширюватися у Росії наприкінці ХІХ століття.
Деякі дослідники відзначають, що у Росію термін «емаль» прийшов із Західної Європи, із Франції, поступово витіснявши старий термін грецького походження – фініфть. Слово фініфть у перекладі з грецької мови буквально означає світлий блискучий камінь. Інші фахівці стверджую, що термін прийшов на Русь у X-XII століттях з Візантії.
Як би там не було, перші російські літописці писали це слово як «фініпт» чи «фініфть». А в давньоруських «майстрівниках» (описах) XII століття емаль також називали мусія, що було смальтовою мозаїкою, що нагадує своїм зовнішнім виглядом стародавні візантійські фініфти, які привозили до Росії. Термін «мусія», втім, незабаром вийшов із вжитку, а «фініфть» зустрічається лише тоді, коли необхідно підкреслити старовинне походження якогось виробу або для того, щоб підкреслити зв'язок сучасного виробу із стародавнім виробом.
Однак російська емаль відрізнялася від візантійської, і не на краще: вона була менш міцною, менш стійкою до зовнішніх умов. Так, у скарбі, знайденому в Старій Рязані, були виявлені вироби як з візантійськими, так і з російськими зразками, які збереглися набагато гірше.
За уривчастими відомостями, що збереглися в давньоруських рукописних джерелах, можна скласти деяке уявлення про особливості складу емалевої маси давньоруських ювелірів, про особливості російської технології, про труднощі та невдачі, що виникали при цьому.
Розширення торгових зв'язків із Заходом та Сходом незабаром призвело до того, що московські майстри XVII стали мати можливість роботи із привізною емаллю, отриманою у торгових рядах. А у XVIII столітті емаль, яку доставляли через Архангельськ, стала доступною і майстрам Півночі (Сольвичегодськ).
Найкращі майстри тримали свої рецепти в найсуворішій таємниці, отже, кожен майстер, який займався виготовленням емалевої маси, сягав майстерності виключно своїм досвідом. Тому широку популярність здобули лише деякі склади емалей.
Як прямі спадкоємці грецької культури – російські майстри спочатку використовували емаль, як тло на карбованих і литих виробах, а початку XVI століття російські майстри вже освоїли перегородчасту емаль, яка знайшла широке застосування у справі створення церковного начиння…

Різні відтінки емалі отримують за допомогою додавання різних оксидів металів. Так, наприклад, окис марганцю надає металу коричневий та фіолетовий відтінки, окис заліза у поєднанні з іншими компонентами забарвлює емаль у жовтий колір, червоний, сірий або чорний, а окис міді надає емалі синьо-зеленого кольору.
За своєю структурою емаль може бути прозорою чи непрозорою (або як її називають майстри – глуха).
Чистоту та прозорість емалі надають окису свинцю, непрозорість – результат підмішування глушників, якими є окис олова, каоліну, кісткового борошна.

Сьогодні емаль можна назвати практично таким самим популярним матеріалом для обробки та декорування різних предметів, як і багато років тому. Емальєрне мистецтво у своєму розвитку зазнало кількох етапів: від використання в стародавніх цивілізаціях, великої популярності в середньовіччі, практично повного забуття та відродження в XIX столітті.
Сьогодні емаль зайняла своє особливе місце в ювелірній справі, в оформленні інтер'єрів, у прикладному мистецтві, дизайні та крім традиційних виробів з емалі, цей матеріал проник навіть в архітектуру, як один із найміцніших матеріалів, що зберігають колір і структуру, незважаючи на капризи погоди. Особливість емалі – яскраві фарби, блискуча гладка поверхня, глибина та інтенсивність кольору та чіткий контурний малюнок. Всі ці риси вимагають від майстра композиційного рішення.
В наш час, так само як і за старих часів один з найпоширеніших елементів мотив рослинного орнаменту. Однак сучасні годинникові майстри, які зробили мистецтво емалі повноправною частиною годинної індустрії, пішли набагато далі за прості орнаменти. На невеликому емалевому циферблаті часом відтворюються шедеври світового живопису та портретного мистецтва, виконуються повітряні симфонії найпрекрасніших зображень, які тільки можуть вигадати художники. Виробам з емаллю властиві малі форми. Саме тому це мистецтво знайшло і досі знаходить таке яскраве втілення у справі годинника.
Поки традиції східного декоративного мистецтва відводили емалі роль оформлювального матеріалу, схожого з інкрустацією чи карбуванням, у Європі унікальний сплав став повноцінною художньою галуззю, що сталося завдяки появі перших кишенькових годинників.

Швидше, кишеньковий годинник спочатку можна було б назвати «нашийним» годинником, адже спочатку в кишені їх ніхто не носив, і почали робити це лише через два століття. Перший годинник у світі носив на шиї, на ланцюжку, а англійський термін pendant watches, в буквальному перекладі означає годинник-підвіски.
Свій початок годинник-підвіска бере з 1510 року. У цей час вони мали кулясту форму і лише до 1630 року вони набули звичного для нас вигляду: круглий корпус із кришкою.
Перший годинник викликав великий сумнів щодо точності свого механізму і в першу чергу сприймався як прикраса. Саме тому оформлення виробу займало багато часу: над ним працювали не менше, ніж над нагородними знаками.
Для оформлення корпусів майстра годиноробства використовували техніки Cloisonne і Champleve (клаузон та шамплеве), які й збереглися досі та користуються великою популярністю у сучасних годинникових компаній класу люкс. Якщо говорити про технічну складність виконання, то обидва малюнки дуже складні і вимагають найточнішої копіткої роботи, особливо коли йдеться про невеликий простір корпусу годинника, його кришки, або тим більше про циферблат.
Так, для виконання малюнка Champleve (шамплеве) майстер найтоншим лезом вирізає в золотій основі мініатюрні осередки, в які шар за шаром заливає різні відтінки гарячої емалі.
Якщо ж говорити про Cloisonne (клаузон), то виконання цього малюнка набагато складніше, ніж Champleve (шаплеве), оскільки в його основі лежить «сітка» із золотої нитки, довжина якої часом досягає 100 метрів, а товщина – не більше товщини волосся. У найтоншу сітку, закріплену на металевій основі, заливаються окремі різнокольорові фрагменти емалі, що становлять один малюнок. Сама золота нитка після цього стає практично невидимою: її можна розглянути хіба що в лупу. Саме тому малюнки, виконані технікою Cloisonne, виглядають набагато детальніше і натуралістичніше, ніж Champleve.
Однак ні Champleve, ні навіть Cloisonne не можуть рівнятися чи змагатися зі справжнім живописом, оскільки не передають ні глибини зображення, ні ігри світлотіні, ні відтінків.

Мистецтво емальування так би і залишилося в категорії прикладних ювелірних технік, якби в XVII столітті не відбулася справжнісінька революція в емальєрній мініатюрі: невеликий простір циферблату став полотном, що вміщує найзухваліші задуми художників. Можна відзначити, що емальєрна мініатюра та годинник з'явилися практично одночасно. Звідти й пішла ця «спорідненість»: емальєрні мініатюри дуже скоро стали «другою особою» хронометра.
Родоначальником емальєрної циферблатної мініатюри стало французьке місто Лімож. Історія почалася з двох ліможських майстрів Пеніко (Penicauds) і Реймона (Reymonds), які розробили свою особливу техніку нанесення оксидів на поверхню металу і незабаром ліможські мініатюри стали використовуватися для прикраси більшості паризьких кишенькових годинників XVI століття, а за популярністю стали суперничати. .
В останню чверть XVII століття саме ліможська емаль почала поширюватися в Росії. За методом, розробленим ліможськими майстрами, працювали майстри-емальєри Збройової палати Московського Кремля, Сольвичегодська та Великого Устюга.
Проте звання центру мініатюрного живопису отримав регіон Ер-е-Луар та Луар-е-Ше – місто Блуа. Як свідчить історія, поширення мініатюрного живопису почалося багато в чому завдяки війні католиків та гугенотів.

Нантський едикт, оголошений Генріхом IV в 1598 році, вплинув на переміщення багатьох художників: сотні паризьких годинників і художників стали переїжджати з Парижа в протестантське місто Блуа, яке завдяки такій міграції художників, ювелірів і годинників поступово перетворювався на передовий культурний центр.
Серед потоку мігруючих художників був також 26-річний ювелір Жан Тутен (Jean Toutin). Він і придумав техніку живопису по емалі, яка не поступалася листом маслом ні за якістю, ні за глибиною зображення.
Основою техніки стала пуантилістська манера нанесення емалі. Пуантилізм - від французького слова Pointillisme буквально означає точковість. Пуантилізм став новим напрямом у живописі неоімпресіонізму, що виник у Франції близько 1885 року. Основою цього живопису стали роздільні мазки правильної точкової чи прямокутної форми. Відмова від фізичного змішування фарб стала причиною оригінального оптичного ефекту.
Метод Жана Тутена полягав у ступінчастому випалюванні: на обпаленій білій поверхні художник-мініатюрист створював мініатюрний пейзаж чи портрет за допомогою тонкого пензлика (або навіть волосся) методом художників-пуантилістів. Світлі тони обпалювали в печі і лише потім художник знову продовжував малюнок: тепер уже наносилися темніші тони. Таким шляхом послідовного малювання та випалу художник домагався найвищої точності зображення та найтонших кольорових нюансів. Наприкінці роботи, після випалу та полірування останнім шаром накладався прозорий шар емалі – fondant (фондан), він і надавав малюнку мерехтливу глибину.
Цей метод отримав такий успіх, що незабаром у Тутена з'являється безліч учнів, які згодом склали школу Блуа. Серед учнів іменитого майстра можна виділити таких знаменитих мініатюристів, як П'єра Шартьє, Дюбі, Крістофа Мольєра та більш відомого як карбувальника Ісаака Грибеліна.
У 1622 році Тутен повертається до Парижа, де займається оформленням вже кишенькових годинників англійських, німецьких і, звичайно, французьких майстрів. Роботи Тутена поступово набувають популярності і мініатюри на кришках і циферблатах годинника поступово перебираються через Ла-Манш.
Так, в 1635 Саймон Хаккет виготовляє золотий годинник із зображенням пейзажу на кришці в стилі школи Тутена. Годинник удостоюється великої уваги, а газета Journal des Savants 14 вересня 1676 пише про те, що ювелір Тутен, родом з Шатодана досяг бездоганної майстерності в малюванні по емалі, домігшись в історичних сценах і портретах мистецтва, яке можна порівняти хіба що з живописом маслом.
Визнання високого рівня школи Блуа, щоправда, трохи запізнилося. Вигнання гугенотів у Швейцарію призводить до того, що центр ювелірної та годинної справи переміщається до Женеви, а кінець XVII століття стає першою смертю емальєрної мініатюри.
Причиною «смерті» стає ряд винаходів: у 1675 році Крістіан Гюйгенс винаходить маятниковий регулятор, годинник з баланс-спіраллю стає більш точним, і як наслідок, стає більш утилітарним предметом, що не вимагає особливого оформлення. З'являється хвилинна стрілка, скло, що покриває циферблат і незабаром усі зусилля майстрів скеровуються на постійне вдосконалення механізмів. Годинник починає прибирати в кишеню, і яскраве декорування стає надмірністю. І незабаром емалеві картини практично повністю витісняє гравіювання гільйоше.
З появою масового виробництва та так званого Нового мистецтва, емальєрне мистецтво «вмирає» остаточно. Цей процес можна назвати цілком природним, якщо врахувати, що тільки нанесення малюнка на поверхню металу по цій техніці займає 250 годин і виготовлення подібних зображень могло бути тільки в штучному варіанті. Крім іншого, емаль виявилася малопридатною для нової течії абстрактного та імпресіоністичного мистецтва, що увійшло в моду. Емаль не врятувала ні особлива яскравість кольорів, які виявилися придатними більше для квітів, портретів і пейзажів, ні фарби, що не тьмяніють.

Можна запитати себе: що ж є годинниковим мистецтвом? Багато хто скаже – годинний механізм, складність його конструкції, майстерність та краса гравіювання. Інші дадуть відповідь, що гідне оформлення механізму – корпус, інкрустація, циферблат – це не лише «красиве» доповнення до механізму, а й окрема цілком самостійна сфера годиноробства, яка грає, якщо не першу, то вкрай важливу роль у створенні, а потім і у виборі хронометра.
Якими б не були різні ці думки, висновок очевидний: «начинка» і «зовнішність» хронометра гармонійно доповнюють одна одну і окремо не можуть справляти того приголомшливого враження, як у «хронометричному альянсі».
Ще на зорі годинника, коли кишеньковий годинник був єдиним хронометром і особливо не відрізнявся точністю, його кришки були декоровані емальєрними картинками. Саме тоді й народилася спілка механічної частини хронометра з емалевою «декорацією».
У той час, коли годинник був головним чином прикрасою, а не вимірювальним приладом, що потребує точності, емалевий дизайн був основною перевагою годинника. Але технічний прогрес, розвиток годинникового механізму та поява хвилинної стрілки витіснило емалеві картинки з кришок та з циферблатів. Деякий час так і тривало, поки годинникарі та їх замовники не усвідомили, що складність та точність механізму повинна мати гідне оформлення. Тільки тоді наручний годинник стане виробом, гідним вищої похвали.

Налагодження торгових відносин Європи з Китаєм у XVII-XVIII століттях сильно сприяло відродженню емалевої мініатюри. Китайському імператору до божевілля подобалися «європейські штучки», а ще більше – розписний годинник. Так, китайська імператорська колекція, перш ніж її не розікрали під час Гомінданівських воєн, включала тисячі табакерок і скриньок з емалевими мініатюрами, а також годинник.
У XVII – XIX столітті Женева стає центром емальєрного мистецтва. Останні майстри та художники, що залишилися у Франції, вимушено перебираються до нейтральної Швейцарії через революцію. А потім через наполеонівські війни.
Історія емальєрного живопису налічує близько 80 художників та мініатюристів, які у цей період працювали в Женеві. Серед них знаменитості: Франсуа Тенгю та Птіто, Ліотар та Тюрке де Мейнн.
Однак одним із найбільших і найвідоміших майстрів XIX століття вважається Жан-Луї Ріхтер, який свого часу створив величезну кількість мініатюр для швейцарських вартових компаній. Окремо з його робіт можна виділити годинник з еротичними зображеннями, які доставляли на східний ринок багато відомих годинникових будинків (Blancpain та інші).
Незабаром емальєрний живопис починають освоювати, а точніше відроджувати й у Москві: із середини XVIII століття школу Блуа починають активно освоювати російські майстри. Першими відомими художниками по емалі стали Андрій Овсов і Григорій Муссикійський.
До 80-х років XVIII століття емалевий живопис стає настільки популярним видом мистецтва, що в академії мистецтв Росії засновують емальєрний клас. З 1790 року класом керує Петро Жарков, роботи якого збереглися до сьогодні. Ще один поштовх розвиток емальєрне мистецтво отримує під час Карла Густава Фаберже, який активно використовував у своїх роботах мініатюри на емалі.

Протягом багатовікового розвитку мистецтво емалі постійно розвивалося та удосконалювалося. На основі вивчення багатьох старовинних емальєрних технік, на сьогоднішній день можна виділити кілька основних, що застосовуються у роботі з емаллю. У ході розвитку найбільш яскравими стали кілька основних способів роботи з емаллю: виїмчаста, перегородкова, віконна та мальовнича емалі. Поява в емальєрному мистецтві технік Cloisonne (перегородчата емаль), Champleve (виїмчаста емаль) або Grand Feu (гаряча емаль) була основними методами роботи майстрів Індії, Стародавнього Єгипту та Китаю. В основному вони користувалися сумішшю магнію та кобальту. Після нагрівання суміші до температури 12000 вона при застиганні перетворювалася на однорідний матеріал глибокого мерехтливого синього кольору, з яким майстри продовжували працювати: надавати відтінки та оформляти малюнки. А майстри Візантії, наприклад, за допомогою Grand Feu, змогли отримати замість темно-синьої яскраво-блакитну емаль, яка сьогодні називається звучним словом Tourquise (туркуаз). Візантійська техніка гарячої емалі практично витіснила вставки з бірюзи у близькосхідному світі.

одна з найпростіших технік використання емалі, яку фахівці рекомендують тим, хто тільки-но починає освоювати роботу з емаллю. У виробах давньогрецьких та римських майстрів перших століть нашої ери в основному застосовується саме ця техніка. Римські майстри закладали склоподібну масу в спеціальні поглиблення в металі і поруч із золотом, міддю або сріблом емаль створювала чудову гру кольору, створюючи ілюзію дорогоцінного каміння або своєрідної мозаїки.
Основним принципом виїмчастої емалі є спеціальні поглиблення на площині, що декорується - виїмки. Їх отримують гравіюванням, карбуванням, травленням або випилюванням лобзиком. Емаль заповнює виїмки – і візерунок готовий.
Сьогодні переважно виїмчаста емаль широко застосовується у масовому виробництві. Так, завдяки застосуванню високопродуктивних штампів, багато виробників виготовляють основу під значки, емблему та інші недорогі прикраси для жінок. Виготовлення такого роду виробів вимагає багаторазового заповнення виїмок емаллю, випалу та, на завершальному етапі, шліфування та полірування поверхні.

особливістю цієї техніки і те, що на відміну виїмчастої емалі перегородчаста не піддається механізованого виготовлення основи. Вся робота під час роботи з технікою перегородчастої емалі - ручна праця. У цьому випадку емаллю заповнюють осередки, які утворені тонким дротом (у цьому випадку може бути стрічка, покладена на ребро на поверхню основи). Слово Cloisonne - французьке слово, що означає перегороджувати, ділити на відсіки, ставити перегородки.
Вигляд цієї техніки характерний для майстрів Ростовської області XII-XIII століть. Так, ростовські фахівці мальовничого емалевого виробництва мініатюр на початку століття називали себе фініфтниками, а свою роботу називали фініфтяним виробництвом. Ростовські майстри вважали свою майстерність більш складною і високою і навіть ображалися, якщо їх називали емальєрами або порівнювали з живописцями за порцеляною. Термін «фініфть» теж поступово вийшов із вжитку і сьогодні його майже не вживають.

одна з найбільш трудомістких технік, які вимагають від майстра великих практичних навичок. Свою назву віконна емаль отримала через свою властивість заповнювати наскрізні отвори: вікна основи. Це створює цікаві колірні ефекти, що стало особливістю цієї техніки. Мінус такої техніки в тому, що при розгляді виробу на просвіт, втрачається вся краса гри кольорів.
Складність віконної емалі – у багаторазовому наповненні сирою емаллю вікон, якому піде випал. Складний також процес випалу: температура повинна бути на межі початку плавлення емалі, але з більше. Коли вікна затягуються досить товстим шаром, тільки тоді проводиться остання стадія роботи: випалення при вищій температурі.

ця техніка роботи з емаллю вимагає як майстерності та вміння ретельно працювати, а й передбачає здібностей майстра у сфері малюнка і живопису. Техніка мальовничої емалі така: спочатку вибирають основу, яку наносять контремаль (шар емалі зі зворотного боку). В основному це тонкі пластини з міді. Пластину обпікають, щоб тонкий метал не скривився. Потім на лицьову сторону пластини наносять емаль, яка служитиме тлом для зображення і знову обпалюють. Потім спеціальними емалевими фарбами вже наноситься саме зображення чи сюжет, залежно від задуму художника. Завершальна стадія цього важкого і досить тривалого процесу – випал мальовничого шару. Після цього на мальовничий шар наносять ще один шар прозорої захисної емалі і ще раз остаточно обпалюють.

ця техніка особливо характерна при виготовленні підносів, тарілок, настінних панно, та ін. Техніка насіювання емалі набула широкого поширення останнім часом. По суті – насівання емалі не так вже й складно: відповідно до сюжету задуманого малюнка вирізається трафарет з тонкого картону, через який за допомогою ситечка насіваються порошки емалі відповідних кольорів у відповідні місця. Щоб порошки різного кольору не змішувалися, кожен шар закріплюють клеєм, який наносять пульверизатором. Випалення виробу не відрізняється від інших технік.

вироби з металу, прикрашені емаллю – історія, яка бере свій початок із стародавнього Єгипту, Китаю та Індії. Вироби, які були виконані із застосуванням техніки емалювання, відрізнялися бездоганною якістю виконання, тонкістю роботи, багатобарвністю та витонченістю. Ювелірні прикраси, посуд та різне начиння вражають красою та барвистістю виконання.
Якщо говорити про гарячу емаль, як про суто технічне поняття – це механізоване нанесення антикорозійних покриттів на чавунні та сталеві деталі приладів, машин і різного промислового обладнання. Однак як вид ювелірного мистецтва або прикладного ручного мистецтва – гаряча емаль – це техніка, що перетворює звичайнісінькі речі на яскраві, повні кольори та зміст виробу.
Мистецтво гарячої емалі називають по-різному: туркуаз чи гран фе. Однак усі вони означають одне: стародавній вигляд декоративно-ужиткового мистецтва.
Єдиної думки про місце зародження технології гаряча емаль немає. Одні дослідники стверджують, що технологія гарячої емалі з'явилася понад 1000 років тому в Китаї, інші вважають, що гаряча емаль родом з IV століття - час, коли Візантійська імперія переживала свій розквіт. Є також дослідники, які стверджують, що технологія гаряча емаль прийшла зі сходу в X-XI століттях нашої ери. І лише в одному вчені змогла дійти єдиної думки: техніка «гаряча емаль» - одна з найякісніших старовинних та престижних технологій у роботі з емаллю.
Так, є свідчення, що китайські імператори стежили за розвитком цього мистецтва у XII-XIII століттях, щедро заохочуючи розвиток поєднання лиття бронзи та гарячої емалі. Так з'явилася блакитна емаль, яка на той період була візитною карткою Китаю. Гарячу емаль використовували для прикраси різних предметів домашнього начиння, паличок для їжі, предметів інтер'єру, різних прикрас. Поступово технологія розвивалася, і фахівці навчилися наносити гарячу емаль як на бронзу, а й у мідь. З'явилися різні відтінки емалі.

Сучасна технологія виготовлення виробів з пр